El iluminado (Myanmar, 2015)

LA BUENA FOTOGRAFÍA NO SUELE CONTAR LA VERDAD

Foto: Inge Morath

Los psicólogos sabemos que la objetividad no existe en la percepción. La configuración o disposición de los elementos que tenemos delante, junto a todos los filtros perceptivos que nuestro cerebro impone determinan lo que percibimos. Son muy conocidos los experimentos de la Psicología de la Gestalt sobre ilusiones ópticas y estímulos ambiguos que ponen de manifiesto cómo la realidad nos engaña continuamente. Y si tan siquiera podemos hablar de objetividad respecto a lo que ven nuestros ojos, pretender hacerlo cuando se trata de la fotografía se nos antoja como una empresa imposible. Reconozcámoslo, el fotógrafo siempre manipula, con mayor o menor acierto y credibilidad, la realidad que nos presenta en sus fotos. Lo que vemos en las imágenes que captó no es la verdad, es tan solo su verdad. Una manipulación que no tiene lugar exclusivamente durante el procesado de sus fotos, sino desde el mismo momento en que fija los parámetros de su cámara para realizar la toma. O incluso antes, cuando elige cámara y lente.

Aunque siempre se alude al encuadre, es decir, a los elementos que el fotógrafo decide incluir en el visor, a los que deja fuera, y a cómo los incluidos se relacionan entre sí, ese no es sino uno más de los muchos grados de libertad de que disponemos para jugar con una escena. Repasemos algunos de ellos. 

La elección de una distancia focal determina no sólo la cantidad de realidad que incluimos en ese encuadre, sino la mayor o menor cercanía con que percibimos los elementos del primer plano con respecto a los situados tras él. Ese buitre que parece a punto de devorar el niño en realidad se encuentra unos cien metros atrás, pero la ilusión está creada. 

El punto de vista desde el que toma la foto también va a tener una influencia decisiva en lo que percibirán quienes vean nuestras fotos. Si nos agachamos para realizar un contrapicado, un sujeto situado en un primer plano ganará en estatura, poder o prestigio. En cambio, el picado, desde una posición superior hará que el sujeto parezca inferior, insignificante o sumiso. Si optamos por una toma a nivel del sujeto con un ángulo de cámara normal lo veremos como un igual, lo que nos animará a empatizar e identificarnos con él. Incluso Mariano Rajoy podría resultar humano y simpático. Si inclinamos la cámara hacia un lado de manera que el horizonte se vuelque, como en la conocida foto de Inge Morath, en la que Marilyn Monroe y Eli Wallach bailan ante un divertido Clark Gable durante el rodaje de Vidas rebeldes, la sensación de dinamismo se acentuará. Baile, movimiento, risas y una botella de bourbon medio vacía nos transmiten la idea de que no se lo estaban pasando mal. Aunque esa sensación de movimiento se puede aumentar fijando una velocidad de disparo lenta, o trepidando la foto, o mediante el ritmo conseguido por la repetición de elementos, o jugando con la composición, o por una amplia batería de estrategias que el fotógrafo tiene en su mano para conseguir que una imagen fija desprenda dinamismo.

La exposición también desempeña un papel relevante en lo que cuenta una foto. Mediante la subexposición conseguiremos aumentar la saturación de los colores y el contraste tonal, subiendo el tono emocional de la imagen, que nos parecerá mucho más viva y dramática. Incluso servirá para no tener que echar mano al tampón de clonar, ya que podremos hacer que desaparezcan en las sombras algunos elementos indeseables. Si no fue suficiente bastará con unos ligeros ajustes globales posteriores con Lightroom o Photoshop. Así nadie podrá acusarnos de clonado o manipulación, aunque la imagen final conlleve la misma alteración de la realidad.

Las líneas también están a nuestro servicio de cara a potenciar una idea: las líneas horizontales transmiten equilibrio, calma y estabilidad; las verticales fuerza, poder o espiritualidad; las líneas curvas conllevan mucha sensualidad y gracia, y las diagonales tensión y dinamismo. Pero, sobre todo, van a servirnos para dirigir la mirada del observador hacía donde se encuentra el elemento que queremos resaltar.

Por lo tanto, resulta complicado hablar de objetividad en fotografía. Siempre podrás intentarlo con lentes de distancia focal media, encuadres objetivos que no dejen fuera elementos de la escena, e incluso haciendo uso del HDR para lograr el máximo parecido a lo que ven nuestros ojos. Podrás intentar no poner nada de ti en tus fotos, tratando de que sean lo más asépticas posibles, sin ninguna contaminación del fotógrafo. No sé si lo conseguirás, pero creo que sí lograrás imágenes frías y sosas. En cambio, podrás optar por poner todos los recursos técnicos que te ofrece la fotografía al servicio de lo que quieres transmitir. Seguro que no habrá objetividad en tus fotos, pero es muy probable que haya una subjetividad muy hermosa.

El lago y el volcán (Panguipulli, 2014)

Noche en la tierra (Sarajevo, 2015)

FOTOGRAFÍA Y PSICOLOGÍA: DALE LA VUELTA A TUS FOTOS.

                                                                    Foto : Ben Zank

Es posible que hayas reaccionado con cierta sorpresa cuando alguien te ha comentado que sabía que una foto era tuya antes de conocer tu autoría. Te has sorprendido porque pensabas que tus fotos eran muy diferentes entre sí pues no tienes un estilo muy definido. Incluso podrías coincidir en parte con Susan Sontag, cuando afirma que el estilo no existe en fotografía. Al menos en lo que a ti se refiere. Este es un sentimiento muy generalizado, ya que con frecuencia nos cuesta trabajo reconocernos en nuestras fotografías. hasta el punto de que  podemos no ser conscientes de lo mucho que nos repetimos. Damos con un tipo de imágenes que consiguen cierta aceptación en las redes sociales y lo machacamos hasta que el filón no da más de sí. Y es que queremos desarrollar un estilo propio que nos otorgue una identidad en el mundo de la fotografía.

Pero esa búsqueda y afirmación de un estilo es una arma de doble filo, y comenzamos a cavar la tumba de nuestra creatividad cuando damos con él. Poco a poco vamos adquiriendo ciertos hábitos, en las imágenes que buscamos, en los puntos de vista, en las focales, en las luces o en los procesados.  Y cuando en un acto de rebeldía rompemos con esas rutinas, y exponemos nuestras fotos a los demás sin conseguir los mismos likes que antes, esa desaprobación nos hace volver al redil de "nuestro estilo".  Un "estilo" que no hace sino limitarnos como fotógrafos. Y probablemente también como personas.

Mi propuesta es sencilla, trata de hacer algo distinto. Pierde el miedo a fracasar y arriésgate.
Lo primero que tendrás que hacer es tomar conciencia del tipo de fotos que haces. Y es que si algunas veces son el fruto de una búsqueda deliberada, en muchas ocasiones hemos desarrollado unas rutinas fotográficas sin que seamos muy conscientes de ellas. Puedes mirar tus fotos prestando atención a los motivos, a las distancias focales, a la saturación, a los encuadres o a los procesados que sueles utilizar . También puede serte de mucha ayuda que preguntes a algún amigo aficionado.  Ya he comentado antes que los demás suelen tener más claro que nosotros mismos la continuidad en nuestro estilo.
El paso siguiente es el de salir de esa zona de confort en la que tan bien te mueves, y experimentar con algo diferente. Incluso haciendo todo lo contrario a lo que suele ser tu hacer fotográfico: Suéltate la melena y atrévete hasta con esas fotografías que no te atraen demasiado.

Tal vez te estés preguntando qué sentido tiene todo esto ¿Acaso se trata tan solo de mejorar tu técnica ampliando tu zona de confort y tu reportorio fotográfico? En parte sí, pero no solo de eso. Como he comentado en más de una ocasión, nuestras fotografías dicen mucho de nosotros mismos, de nuestro carácter o personalidad.  Y situarnos en el polo opuesto puede servir para que seamos más conscientes de las fotos que hacemos, y de por qué las hacemos.  La fotografía puede ser un camino de autoconocimiento que nos acerque a nuestro yo más profundo.  Tal vez empecemos a comprender qué nos lleva a desenfocar, saturar o contrastar las fotos. O a acudir con tanta frecuencia a esos contrapicados extremos. Situándonos en el polo opuesto estaremos aludiendo a nuestra dualidad y alcanzando un mejor equilibrio personal tras la zozobra inicial.  No en vano la dualidad y el balance entre fuerzas opuestas son el motor del crecimiento para algunas filosofías orientales, como el taoísmo, y para muchas teorías psicológicas.  Carl Jung se refirió a la integración de los opuestos en el desarrollo personal.  La integración dialéctica del pensamiento intuitivo y el racional es para la psicología postpiagetiana lo que da paso al pensamiento postformal, última etapa del desarrollo intelectual. Y para el Tao los principios de la realidad son el luminoso Yang y el sombrío Ying.  Por lo tanto, atrévete, dale la vuelta a tus fotos y ya veremos qué pasa. Es posible que escapes de ese enredo que te tiene seco y atrapado.

PRIMER PREMIO PHOTOLUZ

El pasado fin de semana tuve la ocasión de disfrutar como jurado de las fotografías finalistas al premio Photoluz que se falló en Puerto Real. Aunque pueda sonar a tópico, la elección no resultó fácil por la calidad de las colecciones finalistas, lo que no impidió que los tres miembros del jurado coincidiéramos en otorgar el primer premio a la colección presentada por Antonio Alcazar Ojeda . Se trata de tres fotografías nocturnas que se ajustan muy bien al tipo de fotografía que más me gusta. Unas imágenes en las que la noche sirve como excusa para que la oscuridad y la indefinición de los personajes, apenas iluminados por esa luz artificial que nos muestra sin dejarnos ver el todo, otorguen a la serie una enorme carga poética. No en vano los poetas místicos utilizaron la noche como una metáfora de la oscuridad de la que brota la fe. Como también la noche es el contexto de muchas de las imágenes más líricas de fotógrafos como Sudek o Brassai.

Son personajes que, al igual que en algunas fotografías de Trent Parke, surgen de la oscuridad para que la luz nos los revele con cierta ambigüedad como protagonistas de una historia que puede ser una metáfora de la vida. Una metáfora visual que se refuerza con esa balaustrada que marca un ritmo que tiene continuidad a lo largo de las tres imágenes y que parece marcar el curso de la vida. Y es que si la fotografía, como proceso técnico, es un juego de luces y sombras, también la vida lo es, con sus incertidumbres y sus certezas. Se trata de una serie muy bien resuelta técnicamente, y que funciona muy bien como conjunto, porque las imágenes se refuerzan entre sí, ahondando en una idea que si en cada una de ellas apenas está sugerida en el conjunto se nos revela con una poderosa carga emotiva que nos punza el corazón. Una colección de imágenes que se equilibran muy bien a nivel compositivo, logrando un interesante equilibrio dinámico. Así, las dos fotografías de los extremos que incluyen movimiento (los niños a la izquierda y el columpio a la derecha), contrastan con la imagen central, mucho más estática. Un contraste que se suma al contraste de luces y sombras y que aumenta el interés de las fotos. Podríamos pensar que se trata de las dos alas y el cuerpo de un ave que surca la noche, y que hacen que nuestra imaginación vuele tras ella.

Hay fotografías que son bonitas por su impacto visual, por su composición o sus colores, pero que no nos cuentan nada. Lo que no impide que puedan tener mucho valor. Otras fotografías resultan demasiado legibles, y nos relatan su historia a voces. Las fotografías de Antonio se sitúan en un punto intermedio pues tienen una narrativa muy sutil, y nos susurran al oído una historia que, al menos a mí, me hace soñar.